Berthe Morisot, figure marquante de l'impressionnisme, a su se distinguer par sa sensibilité et son approche novatrice de la peinture. Son œuvre, souvent perçue à travers le prisme de ses contemporains masculins, révèle une artiste à part entière, dont l'impact pictural fut longtemps minoré en raison de sa condition de femme. À travers une analyse approfondie de son tableau emblématique, Le Berceau, il est possible de comprendre comment Morisot parvient à s'affirmer en tant que femme peintre, en explorant des thèmes intimes et en adoptant une technique audacieuse.
Berthe Morisot : Une Impressionniste Singulière
Berthe Morisot (1841-1895) est souvent réduite à une figure féminine associée aux grands noms de l'impressionnisme. Pourtant, l'exposition présentée par le musée d'Orsay met en lumière une femme au parcours volontaire et novateur, en phase avec l'évolution de la société et les mutations artistiques de son temps. Elle participe activement au rejet de la "belle" peinture prônée par l'Académie des Beaux-Arts, privilégiant la représentation de la vie moderne et le travail en plein air pour saisir l'instant fugace. Fidèle aux expositions impressionnistes, elle excelle à rendre la fugacité du moment, diluant les personnages dans un océan de couleurs, comme dans Femme et enfant dans une prairie à Bougival (1882).
Le Berceau : Un Tableau Emblématique
Le Berceau, peint en 1872, est sans conteste le tableau le plus célèbre de Berthe Morisot. Il représente sa sœur Edma veillant sur le sommeil de sa fille Blanche. Ce tableau est la première d'une longue série de toiles qui ont pour thème la maternité. Berthe Morisot revisite le motif de la Vierge à l’enfant tout en le modernisant. L'œuvre est audacieusement présentée à la première exposition du groupe des Indépendants en 1874, marquant ainsi les débuts de la peinture impressionniste.
Une Scène d'Intimité Familiale
Le Berceau nous plonge dans l'intimité d'une scène familiale. D'une main délicate, la maman tient un voile transparent qui nous sépare à peine de son bébé, comme pour montrer son amour protecteur. Tout indique que nous sommes invités à respecter l’intimité familiale. Le peintre utilise une palette de couleurs douces. La robe, le fauteuil et le mur du fond sont autant de taches sombres, tranchant avec les harmonies de pastels. Entourant le lit situé en arrière-plan, le voilage blanc est nacré de reflets bleutés, celui du berceau laisse apparaitre des nuances de rose. La jeune femme est vêtue d’une tenue toute simple, les cheveux juste retenus, à peine coiffés. Elle est chez elle, sans la contrainte d’être apprêtée et de paraître à des yeux extérieurs. Elle a revêtu une robe d’intérieur à rayures bleu marine et noir, simple mais élégante. Une chemise blanche à la dentelle délicate vient trancher sur le vêtement sombre et met en valeur son visage, son cou et son décolleté. Le regard est grave, fatigué, peut-être.
Une Composition Savamment Étudiée
Même si cette peinture représente l’un des moments les plus émouvants de la vie de l’artiste, sa composition n’en est pas moins savamment étudiée. Le regard de la mère, la ligne de son bras gauche replié, auquel fait également écho le bras de l’enfant et ses yeux clos, tracent une longue diagonale qui est soulignée par le mouvement du rideau en arrière-plan. La peintre parvient ici à traduire un moment suspendu dans le temps, empreint de douceur et de délicatesse. La tête d’Edma reposant sur sa main gauche renforce son air pensif et lui confère une certaine gravité.
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Le Regard de la Mère : Entre Tendresse et Interrogation
Dans cette toile, un lien invisible est palpable entre l’enfant et sa mère. En effet, cette dernière pose un regard très tendre et touchant sur sa petite fille endormie dans le cocon protecteur du couffin. Blanche est protégée par sa présence, mais également par le voilage du berceau, légèrement relevé par la main droite d’Edma. Berthe Morisot met en scène la relation mère/enfant : le regard de la mère sur l’enfant endormi est complexe, riche de sens. Il traduit les interrogations de la mère, et de l’époque, au sujet de ce petit être mystérieux qu’est l’enfant et que l’on considère de plus en plus comme un individu à part entière (et non plus comme un simple descendant). Enfin c’est un regard grave que la jeune mère pose sur son bébé, comme si elle prenait conscience de la responsabilité qui lui incombe désormais.
L'Affirmation d'une Femme Peintre
À travers Le Berceau, Berthe Morisot ne se contente pas de représenter une scène de maternité. Elle explore également le sort fait aux femmes dans la société. Edma, la sœur de Berthe Morisot, lui fournit maints sujets d’inspiration. Elle traduit d’une certaine manière le sort fait aux femmes dans la société. Attachée avant son mariage, comme Berthe, à l’exercice de la peinture, elle a été rattrapée par le poids des conventions. Elle contemple d’un air ennuyé, devant un balcon ouvert qui ne suscite chez elle aucune curiosité, un éventail qu’elle déplie rêveusement (Jeune femme à la fenêtre, 1869). Son mariage a sonné le glas de ses ambitions artistiques.
Un Thème Traditionnel Modernisé
Le sujet traditionnel de la maternité est modernisé par la séparation physique de la mère et de l’enfant qui situe leur rapport dans un registre plus conscient qu’affectif. La diagonale déterminée par le regard d’Edma vers sa fille est reprise par la ligne de leurs bras repliés en symétrie l’un de l’autre, les yeux clos du bébé et le voilage en arrière-plan. À cette tension s’oppose le voile tiré entre le berceau et le spectateur ; retenu par la jeune mère, il souligne l’intimité de la scène.
Une Touche Personnelle et Audacieuse
Au-delà de la qualification de « peinture féminine » qu’on a donnée à l’œuvre de Berthe Morisot, ce qui frappe dans sa manière de peindre, c’est une énergie très éloignée de la « douceur féminine ». Sa touche est rapide, accentuée, dynamique. Pour saisir l’immédiateté, elle trace ses sujets, à coups de brosse impatients, ne reculant pas devant le non réalisme des figures, parfois silhouettes seulement esquissées avec cependant une vérité des expressions qui traverse le volontairement flou, l’inachevé manifeste et assumé. Elle utilise le pinceau comme le pastel, avec une maîtrise dans le trait qui rappelle Toulouse-Lautrec. Morisot ne craint pas de laisser apparents à certains endroits la trame de la toile. Elle ne remplit pas l’espace, joue du plein et du vide, alterne légers empâtements et tracés lisses.
Une Artiste Engagée
Il n'est pas facile à l'époque d'être une femme artiste et peintre. Berthe Morisot va repousser le mariage le plus tard possible de peur de ne plus pouvoir peindre. Elle va choisir d’épouser Eugène Manet, le frère d’Édouard Manet, qui accepte une sorte de pacte, probablement tacite, et ça se voit à la carrière de son épouse. Comme Élisabeth Vigée-Lebrun au siècle précédent, Berthe peint plus particulièrement un monde féminin et s'impose comme une artiste à une époque où le chemin est semé d'embûches et de préjugés par exemple, l'École des beaux-arts n'accueillera les femmes qu'à partir de 1897. En outre, Berthe Morisot décide courageusement de ne pas satisfaire un public de salon officiel et préfère se rapprocher des artistes les plus avant-gardistes tels Manet, Renoir et Degas. Comme eux, elle est sensible aux scènes de la vie moderne et, avec une touche spontanée et rapide, traduit les effets changeants de la lumière.
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