L'article explore la notion de "berceuse du fantôme" à travers l'analyse d'œuvres musicales contemporaines, en s'inspirant notamment des créations présentées aux Donaueschinger Musiktage et en s'appuyant sur le concept d'histoire de fantôme tel qu'il est abordé dans l'œuvre d'Emmanuel Carrère. Il examine comment les compositeurs contemporains utilisent des éléments musicaux et narratifs pour évoquer des thèmes de perte, de mémoire, de traumatisme et de présence fantomatique.
Donaueschinger Musiktage : Un Terrain d'Expérimentation Sonore
Les Donaueschinger Musiktage, festival dédié à la création musicale contemporaine, offrent un aperçu des tendances actuelles en matière de composition. L'édition présentée se distingue par une programmation audacieuse, privilégiant les créations et explorant des territoires sonores variés.
Grosso de Simon Steen-Andersen : Un Événement Spectaculaire
L'œuvre de Simon Steen-Andersen, Grosso, marque l'ouverture du festival. Elle se caractérise par une ingénierie sonore spectaculaire, mettant en scène une "boîte noire" (Leslie-haut-parleur) et une multitude d'instruments et d'accessoires insolites. La partition relève de l'art du micro-montage, juxtaposant et répétant des événements sonores avec une fluidité et une tension constantes. Bien que les cordes soient quelque peu éclipsées par le déploiement bruitiste, les cuivres et les bois contribuent à créer une dynamique sonore riche et variée.
Alter de Pascale Criton : Questionnement, Solitude et Attente
Alter, pour soprano et orchestre, de Pascale Criton, offre un contraste saisissant avec Grosso. Cette œuvre sensible et délicate explore les thèmes du questionnement, de la solitude et de l'attente. L'utilisation de cordes désaccordées (scordatura) permet de tisser une matière fragile et vibratoire, tandis que la voix de Juliet Fraser, chantant en plusieurs langues (français, anglais, arabe, maori), s'inscrit avec retenue sur la toile mouvante de l'orchestre.
The Reincarnation of Blind Tom de George Lewis : Hommage et Improvisation
Le double concerto The Reincarnation of Blind Tom de George Lewis mêle sonorités jazz et écriture symphonique. Il rend hommage au pianiste aveugle Blind Tom (1848-1908) en convoquant un piano disklavier actionné par les doigts fantômes du pianiste. Le saxophoniste Roscoe Mitchell, légende du jazz avant-gardiste, improvise sur son saxophone soprano, créant d'étranges séquences qui dominent les sonorités de l'orchestre.
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Streik (Séquence) de Enno Poppe : Microtonalité et Richesse Sonore
Streik (Séquence) de Enno Poppe explore les divisions infimes du ton à travers un dispositif restrictif : dix sets de batterie et autant de percussionnistes. Le compositeur travaille son matériau par registres, modelant des figures mélodico-rythmiques sur les grosses caisses et cherchant la nuance en variant les impacts et les résonances. Il parvient à faire "chanter" les peaux dans le grave et les cymbales dans l'aigu.
…selig ist… (…est béni…) de Mark Andre : Musique de la Disparition
…selig ist… (…est béni…) de Mark Andre, pour piano et électronique, explore la notion de "musique de la disparition". Pierre-Laurent Aimard est au clavier, entouré d'un dispositif d'écoute pour la partie électronique, qui combine des sons de synthèse et des sons captés dans l'environnement naturel. L'œuvre s'inaugure par le choc mat des pédales du piano et se caractérise par un jeu martelé et répétitif dans les registres extrêmes, contrastant avec les sonorités plus fondues de la partie médiane. Elle fonctionne par cycles, réitérant les mêmes figures qui évoluent et se transforment jusqu'à une saturation de l'espace engendré par l'électronique.
On the Edge (A la marge) de Claudia Jane Scrocarro : Voix et Électronique
On the Edge (A la marge) de Claudia Jane Scrocarro, pour six voix solistes, chœur et électronique, est écrit sur un texte de Mina Loy inspiré par l'histoire de femmes vivant en marge de la société. Les voix semblent voyager dans l'espace, donnant l'illusion d'être au-dessus de nos têtes ou à côté de nous. La partie soliste s'inscrit en relief sur un espace-temps dilaté qui mêle les voix du chœur à une partie électronique mouvante.
Feu sur moi de Franck Bedrossian : Théâtralité et Engagement Social
Feu sur moi de Franck Bedrossian emprunte son titre à un vers d'Arthur Rimbaud. Le compositeur multiplie les interventions solistes, parlées autant que chantées, accentuant la dimension théâtrale du traitement du texte.
Shared sounds (Sons partagés) de Séverine Ballon : Restitution d'un Projet Collectif
Shared sounds (Sons partagés) de Séverine Ballon est la restitution d'un projet mené avec des réfugiés de Donaueschingen. Ils se produisent sur le plateau, utilisant des instruments à cordes et des plaques de terre cuite. Séverine Ballon, discrète, apporte une touche de couleur ou partage les mots, les gestes, les sons et les chants des participants.
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« aussi fragile que possible » de Elsa Biston : Donner une Voix au Fragile
« aussi fragile que possible » de Elsa Biston est une installation sonore qui invite le visiteur à porter son attention sur les variations infimes de choses minuscules pour appréhender le monde autrement.
My Light Lives in the Dark de Carola Bauckholt : Textures Sombres
My Light Lives in the Dark de Carola Bauckholt, pour contrebasse et électronique, s'inscrit dans un temps long et modèle des textures sombres auxquelles l'archet expert de l'interprète et l'aura électronique donnent tout leur relief.
REW•PLAY•FFWD de Francisco Alvarado : Manipulation Sonore
REW•PLAY•FFWD de Francisco Alvarado, pour orchestre et électronique, réfère aux anciennes cassettes audio et à leur manipulation (rembobinage, lecture, avancée rapide, enregistrement, etc.). Elles dictent les trajectoires orchestrales de la partition, avec ses patinages, bouclages, accélérations, ralentissements spectaculaires, étirement et contraction du temps, plénitude du son ou filtrage et distorsion.
DING, DONG, DARLING! de Sara Glojnarić : Aventure Orchestrale
DING, DONG, DARLING! de Sara Glojnarić est une autre aventure pour l'orchestre, qui doit se conformer au déroulé de la "bande" (sons sur support) et à laquelle il ajoute son revêtement sonore.
Unforseen dusk : bones into wings de Chaya Czernowin : Voyage Dantesque
Unforseen dusk : bones into wings de Chaya Czernowin réunit l'orchestre et les Neue Vocalsolisten de Stuttgart. Le rapport est organique entre les voix (sans texte), les couleurs instrumentales et le paysage sonore que dessinent les sons sur support. L'auditeur est convié à un voyage dantesque, traversé de phénomènes étranges, parcours tout à la fois sauvage et poétique, réel et virtuel, où sons et couleurs se muent en images "familières et étrangères".
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L'Histoire du Grand-Père Fantôme d'Emmanuel Carrère : Une Quête de Sépulture
L'œuvre d'Emmanuel Carrère, analysée ici, propose une réflexion sur la notion de fantôme à travers l'histoire de son grand-père disparu. L'article identifie trois histoires imbriquées dans le livre : l'enquête sur le grand-père, la relation amoureuse avec Sophie et le tournage d'un film à Kotelnitch. L'histoire du grand-père, bien que présente par intermittence, constitue un élément essentiel de l'œuvre.
Le Secret de la Mère
L'histoire du grand-père est présentée comme le secret de la mère d'Emmanuel Carrère, Hélène Carrère d'Encausse. La disparition du grand-père, sa collaboration avec les Allemands et la honte qui en découle ont conduit la mère à construire son intégration sociale sur le silence et le déni. Le narrateur se sent investi de la tâche de donner une sépulture à ce fantôme, mais se heurte à l'interdiction de sa mère, qui souhaite que ce secret meure avec elle.
Donner une Sépulture au Fantôme
Le narrateur entreprend une quête pour donner une sépulture au fantôme de son grand-père. Cette quête passe par des voies détournées, telles que la réapprentissage du russe et les séjours à Kotelnitch. Le narrateur s'interroge sur la pertinence de ces détours, mais persiste dans sa volonté d'honorer la mémoire de son grand-père et de soulager la souffrance de sa mère.
L'Ombre du Grand-Père
L'ombre du grand-père pèse sur la famille, et le narrateur se sent concerné par ce passé douloureux. Il cherche à comprendre les raisons de la disparition de son grand-père et à lever le voile sur les secrets de famille. Cette quête identitaire le conduit à explorer les thèmes de la honte, de la culpabilité et de la transmission transgénérationnelle.
Berceuses et Fantômes : Une Connexion Profonde
L'article établit un lien entre les œuvres musicales analysées et l'histoire du grand-père fantôme d'Emmanuel Carrère. Il suggère que la musique peut être une forme de "berceuse" pour les fantômes, une manière d'apaiser les âmes errantes et de donner une voix aux traumatismes passés.
La Musique comme Mémoire
La musique a le pouvoir d'évoquer des souvenirs et des émotions enfouies. Elle peut faire ressurgir des images du passé et donner une forme sonore à des expériences traumatiques. Les compositeurs contemporains utilisent cette capacité de la musique pour explorer des thèmes de perte, de mémoire et de présence fantomatique.
La Voix des Fantômes
La musique peut donner une voix aux fantômes, aux personnes disparues ou marginalisées. Elle peut permettre d'exprimer des souffrances silencieuses et de rendre hommage à ceux qui ont été oubliés. Les œuvres analysées dans l'article témoignent de cette volonté de donner une voix aux fantômes et de les faire résonner dans le présent.
La Berceuse comme Apaisement
La berceuse est une forme musicale associée à l'enfance, à la sécurité et à l'apaisement. Elle peut être utilisée pour calmer les angoisses et les peurs, et pour créer un sentiment de réconfort. Dans le contexte des "histoires de fantômes", la berceuse peut être une manière de soulager la souffrance des âmes errantes et de leur offrir un moment de paix.
Ted Hearne et la Politique Musicale : Une Réflexion sur les Identités
L'article aborde également l'œuvre de Ted Hearne, un compositeur contemporain qui place la question sociale et politique au cœur de ses créations. Hearne utilise des techniques de collage, d'échantillonnage et de métissage pour explorer les dynamiques de pouvoir, les divisions sociales et les identités culturelles.
L'Hybridation des Genres
Hearne mélange les genres musicaux, confrontant les sonorités bruitistes et saturées des "techniques étendues" aux éléments pop, rock ou hip-hop. Cette hybridation permet de créer une trame sonore kaléidoscopique, nourrie par l'échantillonnage et le traitement électronique de la voix.
Le Montage Textuel
Hearne utilise le montage textuel pour juxtaposer des fragments de conversations, des lettres d'amour, des rites religieux et des textos. Ce procédé permet de porter le fer directement dans la violence politique et de questionner les rapports de domination.
L'Auto-tune et l'Identité Vocale
Hearne utilise l'auto-tune pour transformer les voix des chanteurs, créant un son étrangement anonyme, dédoublé et altéré. Ce trouble de la voix répond au trouble de l'incommensurabilité entre la violence de la guerre et la froideur des mots qui la décrivent, et questionne les identités musicales, culturelles, sociales, de classe, de genre ou de race.
La Gentrification Musicale
Hearne aborde la question de la gentrification musicale, c'est-à-dire l'appropriation des musiques des autres par un compositeur blanc. Il s'interroge sur sa légitimité à dénoncer un phénomène social dont il est lui-même complice et dont sa mise en musique contribue à esthétiser.
Thomas Adès : Un Jardinier de Sons
L'article explore également l'œuvre de Thomas Adès, un compositeur qui se considère comme un "jardinier" de sons. Adès utilise un matériau unificateur, impersonnel et susceptible de se prêter à de multiples manipulations. Il crée une unité organique dans ses œuvres en utilisant des techniques contrapuntiques, des formes traditionnelles et des citations.
Le Matériau Générateur
Adès utilise un "matériau générateur" qui se manifeste sous différentes formes dans ses œuvres. Ce matériau peut être une succession de notes, un enchaînement d'accords ou une série dodécaphonique. Adès manipule ce matériau de manière à créer une unité organique et une cohérence stylistique.
Les Techniques Contrapuntiques
Adès utilise des techniques contrapuntiques, telles que la fugue et le canon, pour créer une texture sonore riche et complexe. Ces techniques permettent de développer le matériau générateur et de créer une dynamique musicale constante.
Les Citations et Références
Adès utilise des citations et des références stylistiques pour établir une connivence avec le public. Ces emprunts peuvent être des fragments d'objets volés, des allusions à des œuvres célèbres ou des pastiches de styles musicaux variés.
La Narrativité
Adès utilise des procédés narratifs, tels que l'imitation de la voix humaine par les instruments, pour créer une dimension dramatique dans ses œuvres. Il s'inspire souvent de sources littéraires, picturales, mythiques, historiques ou cinématographiques.
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