Introduction
Les berceuses, ces mélodies douces et apaisantes, sont universellement reconnues pour leur capacité à calmer et endormir les bébés. Elles représentent une des premières formes de musique que l'enfant rencontre, jouant un rôle crucial dans le développement affectif et cognitif. Traditionnellement, la voix maternelle est le principal vecteur de ces chants, mais les instruments de musique, notamment ceux à cordes frottées, peuvent également enrichir et diversifier l'expérience sonore de l'enfant. Cet article explore l'univers des berceuses interprétées avec des instruments à cordes frottées, en mettant en lumière le Bowed Psaltery et son potentiel unique dans ce contexte musical.
Le Bowed Psaltery : Un Instrument à Cordes Frottées Méconnu
Origines et Évolution
Partons à la découverte du Bowed Psaltery. Cet instrument, à la croisée des chemins entre tradition et modernité, mérite d’être exploré sous toutes ses facettes. Le Bowed Psaltery trouve ses origines dans l’ancienne famille des psaltérions, des instruments à cordes pincées utilisés depuis le Moyen Âge en Europe. Cependant, la version moderne que nous connaissons aujourd’hui a été développée au XXᵉ siècle. C’est dans les années 1960 que cet instrument a véritablement pris son essor grâce à des artisans passionnés qui ont cherché à redonner vie aux instruments anciens en leur apportant une touche contemporaine. Bien qu’il soit souvent associé aux traditions musicales européennes, le Bowed Psaltery a su conquérir des adeptes bien au-delà de ses frontières d’origine.
Caractéristiques et Sonorités
Le Bowed Psaltery se distingue par sa forme triangulaire élégante et ses nombreuses cordes tendues sur une table en bois. Chaque corde est accordée individuellement pour produire une note spécifique, permettant ainsi une grande variété mélodique. L’une des caractéristiques fascinantes du Bowed Psaltery est sa capacité à produire des sons longs et soutenus grâce à l’utilisation d’un archet. Cet instrument est souvent utilisé pour interpréter des morceaux folk ou médiévaux mais il s’adapte également parfaitement aux compositions modernes. Apprendre à jouer du Bowed Psaltery est relativement accessible même pour les débutants en musique. L’instrument est généralement posé sur une table ou tenu contre soi tandis que l’on utilise un petit archet pour faire vibrer les cordes. Afin d’obtenir un son clair et harmonieux, il est essentiel de maintenir une pression constante sur l’archet tout en effectuant des mouvements fluides et réguliers.
Popularité et Accessibilité
De nos jours, le Bowed Psaltery connaît une popularité croissante parmi les amateurs de musique folk et traditionnelle. Les festivals de musique à travers le monde accueillent souvent des démonstrations de cet instrument, permettant aux curieux de découvrir ses sonorités envoûtantes. En parallèle, l’instrument a trouvé sa place dans le domaine de l’éducation musicale. Sa simplicité d’apprentissage en fait un excellent choix pour initier les enfants et les adultes à la pratique instrumentale. Sur Internet, des communautés passionnées partagent leurs expériences et leurs conseils autour du Bowed Psaltery. Des tutoriels vidéo, des partitions et des forums permettent aux musiciens de tous niveaux d’échanger et de progresser ensemble. Malgré son apparence complexe, le Bowed Psaltery est étonnamment facile à apprendre. Bien qu’il soit d’origine européenne, le Bowed Psaltery a su séduire des musiciens du monde entier.
Instruments à Cordes Frottées : Une Famille Riche et Variée
Le Violon : Instrument Roi des Cordes Frottées
Le violon est un instrument à cordes frottées par un archet. Le violoniste, qui joue en tenant son instrument sous le menton, produit les notes en posant les doigts sur une ou plusieurs des 4 cordes et en faisant vibrer celles-ci avec l'archet - une baguette en bois légèrement incurvée sur laquelle est tendue une mèche (ruban) de crins de cheval.
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L'Alto : Un Timbre Chaleureux et Profond
Instrument à cordes, apparenté par sa forme au violon, l'alto est un peu plus grand que celui-ci : il mesure 67 centimètres environ, contre 59 centimètres pour le violon. Il est construit avec les mêmes matériaux et comporte le même nombre de pièces.
Le Violoncelle : Une Voix Grave et Puissante
Instrument à cordes à archet, accordé une octave au-dessous de l’alto, le violoncelle ne reproduit pas, comme ce dernier, les exactes proportions du violon. Si le dessin de la table est identique, le manche est plus trapu, les éclisses plus larges et le chevalet plus haut. Ces différences de proportion ne sont pas le fait du hasard, mais le fruit de longues recherches qui ont eu pour but de concilier les exigences de l’acoustique et les possibilités physiques des instrumentistes. Sonnant à l’octave grave de l’alto, le violoncelle aurait en effet dû avoir des cordes deux fois plus longues. Mais cette logique ne pouvait s’appliquer car cela aurait entraîné des pressions excessives et des écarts de doigts démesurés. La limitation de la longueur des cordes est compensée par une architecture de la caisse différente afin d’obtenir la hauteur des sons prévus. L’étendue du violoncelle est de 3 octaves et 1 quinte (3 tons et 1 demi-ton diatonique). Les différents modes de jeu du violoncelle sont les mêmes que ceux du violon et de l’alto, avec toutefois une restriction : cet instrument étant de beaucoup plus grande taille, la réalisation en est parfois moins aisée. Il faut aussi noter que le violoncelle ne se joue qu’assis. Les trémolos (répétitions rapides d’une même note, l’instrumentiste frottant très rapidement l’archet sur une longueur très courte, et produisant une sorte de tremblement) sont possibles mais l’amplitude maximale est moindre. Le violoncelle fait partie dès le XVIIe siècle de l’orchestre d’opéra.
La Contrebasse : Fondations Sonores de l'Orchestre
La contrebasse est l'instrument le plus grave et le plus volumineux de la famille des cordes. Contrairement aux autres instruments du quatuor à cordes classique (violon, alto et violoncelle), il n'existe pas un modèle unique de contrebasse : certaines sont à 4 cordes, d'autres à 5.
La Musique et l'Enfant : Un Lien Essentiel
Importance de la Musique pour les Tout-Petits
Échos lointains d’une berceuse, froissements de papiers ou crissements de pas dans la neige… À l’écoute de l’univers des sons, les tout-petits, tout comme celles et ceux qui ne le sont plus, connaissent quantité d’émotions. Que ces sons produisent de l’apaisement, de l’émerveillement ou de l’inquiétude parfois, ils parlent. L'éveil artistique et culturel doit retrouver sa place dès l’attente de l’enfant, autant que dans son accueil et son accompagnement. Support pour la rencontre parent-enfant et l’émergence de la pensée du tout-petit, il est aussi le socle d’une filiation réussie en situation d’exil.
La Berceuse : Plus qu'une Simple Mélodie
Ce genre de chant vise à calmer et apaiser le bébé pour l'aider à s'endormir. Aussi, la berceuse est souvent monotone, chantée d'une voix grave, et la mélodie ne varie souvent que de 2 à 3 notes, des aiguës vers les graves.
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L'Importance de la Présence et de la Relation
Je me souviens d’Hélène Stork menant campagne contre les boites à musique pour endormir les bébés… même s’il s’agit de la superbe berceuse de Brahms, issue des Cinq Lieder de l’Opus 49… même si la version est acoustique et non pas numérique… En effet, l’usage marketing d’un argument d’autorité culturelle est pernicieux, car il donne le sentiment à la personne qui va accompagner l’endormissement du bébé que sa compétence « peut », voire « doit », s’éclipser devant cette boite parée de toutes les vertus. En tant qu’anthropologue et pédopsychiatre, Hélène Stork avait longuement développé, depuis la magnifique séquence filmée « Pour endormir Lakshmi » jusqu’à son ouvrage sur les rituels du coucher de l’enfant, l’idée que cette première transmission est d’abord, et jusque dans ses variations culturelles, affaire de corps et de relation. La vocalité maternelle y joue un rôle très particulier, en tant que vecteur de transmission des émotions et de lien entre la mère et le tout-petit enfant. Pour dire que c’est à partir d’une expérience bien accompagnée de la séparation que pourront se développer les capacités d’autonomie de l’enfant puis d’émancipation du jeune adulte et à son tour de transmission culturelle et de création. Selon Winnicott en effet, « l’espace potentiel entre le bébé et la mère, entre l’enfant et la famille, entre l’individu et la société ou le monde, dépend de l’expérience qui conduit à la confiance. Pour rappeler aussi que la première communauté culturelle se situe dans l’enceinte familiale et dans les lieux d’accueil de la petite enfance. Et que l’accompagnement de cette communauté est fondateur dans la rencontre avec les formes de l’art. C’est leur médiation qui fait culture. Voire pour dénoncer les aberrations, comme celle qui consiste à déléguer la fonction de bercer à la mécanique froide d’une boite à musique ! Face au risque de « malnutrition culturelle », l’éveil artistique et culturel doit retrouver sa place dès l’attente de l’enfant, autant que dans son accueil et son accompagnement.
Musique Viking : Échos d'un Passé Lointain
La Musique dans la Société Viking
Les sources écrites et le matériel archéologique soutenant l'existence, la nature et la fonction de la musique à l'Âge Viking sont ténus. Après la conversion au christianisme, les traces et témoignages laissés sont plus clairs, et il est probable que la musique ait autant fait partie de la vie chrétienne dans les pays nordiques que partout ailleurs en Europe. La musique n'était pas la forme d'art la plus importante de la culture nordique - ce trône était réservé à la poésie. La poésie était le média artistique de choix pour le peuple nordique, souvent récitée à haute voix devant un public, et étant ainsi un art du spectacle. La poésie orale a une cadence et un rythme propre qui n'est pas sans rappeler la musique, et l'incorporation de la musique dans une autre forme d'art peut l'avoir reléguée à l'écart. Ce statut secondaire de la musique dans la culture scandinave de l'Âge Viking se reflète dans le fait que, contrairement à de nombreuses sociétés, les Scandinaves n'avait pas de divinité désignée pour la musique.
Chants de Travail et Occasions Festives
Les chants peuvent avoir égayé la monotonie des travaux agricoles tel que le labour et le battage, ou des travaux domestiques comme la mouture et le tissage. Généralement, celui qui a la voix la plus forte chante une strophe répétée ensuite par tout le groupe. Des historiens et des compositeurs tels que Hjálmar Ragnarsson, pensent que la poésie en vieux norrois qui est parvenue jusqu'à nous par l'intermédiaire des sagas islandaises, pourrait recéler des chants de travail. Par exemple: la "chanson de Grótti" (Grottasöngr) où deux jeunes filles esclaves, Fenja et Menja, descendantes des géants des montagnes, sont achetées en Suède par le roi danois Fródi qui les condamne à moudre sans interruption, tandis qu'elles chantent leur histoire, leur fatigue et à la fin, la prophétie de leur vengeance. Lors des occasions festives, de rassemblements comme le Thing (l'institution politique et judiciaire de l'Âge Viking), ou à la cour des rois, la musique et le chant devaient faire partie des réjouissances au même titre que la poésie, à laquelle ils ont pu se mêler.
Instruments de Musique Vikings
Les Vikings avaient une grande variété d'instruments à leur disposition comme l'attestent les découvertes archéologiques, qui concernent majoritairement des instruments à vent en os ou en bois. Les flûtes en bois ou en os sont assez courantes sur les sites de l'Âge Viking. Une flûte de pan en bois a été découverte lors des fouilles de Coppergate à York, en Angleterre. Une corne à jouer faite en corne de vache, a été découverte en 1936 à Västerby, dans le comté de Dalécarlie, en Suède et est conservé au Musée du comté à Falun. Le premier lur en bois de forme droite, mesurant 106,5 centimètres de long, a été trouvé dans le bateau-tombe d'Oseberg. La guimbarde est connue dans la plupart des pays d'Europe et d'Asie depuis 3000 ans. La célèbre lyre de Sutton Hoo, dont les vestiges en érable sont conservés au British Museum, date du début du VIIème siècle. En Scandinavie et dans les colonies de l'Âge Viking, des morceaux de 18 lyres ont été trouvés.
Diversité Culturelle des Chants et des Instruments
Musiques du Monde et Berceuses
Entre tradition et improvisation, l'appel varie d'une personne à l'autre et d'un endroit à l'autre. Cette forme de chant se retrouve à travers le monde et est considérée comme l'une des premières formes de musique, selon Kurt Sachs dans son ouvrage "The Wellsprings of Music". Le joik se veut une sorte de portrait émotionnellement expressif et spontané en lien direct avec des situations comme une naissance, un être humain, un animal ou un paysage. Le chant de gorge, appelé par les ethnomusicologues "jeu vocal" ou "jeu de gorge ", est un chant diphonique ludique pratiqué en duo par les femmes inuits dans l'Arctique canadien et au Groenland. Le leelo seto (le "chant seto" en langue seto) est le chant traditionnel des Setos, un peuple qui vit dans le sud-est de l’Estonie et le district de Petchory, en Fédération de Russie. Le chant polyphonique bulgare se caractérise par un rythme syncopé, le vibrato (tresene) des interprètes et la diaphonie. Art vivant qui perdure depuis plus de 2000 ans, le chant byzantin puise dans les traditions musicales des Balkans et de l'est de la Méditerranée où l'empire byzantin s'étendait.
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Transmission Culturelle et Berceuses
Je pense au magnifique travail réalisé il y a quelques années par Geneviève Schneider dans une école maternelle de la Goutte d’Or avec des mamans d’origine africaine pour soutenir cette transmission, alors que celles-ci pensaient qu’en renonçant à chanter les berceuses de leur propre enfance, elles aideraient leurs enfants à mieux s’intégrer. Dans un moment où l’être ensemble est éprouvé et empêché, on sait plus que jamais que la réactivation de ce lien est centrale dans notre vie en société et dans la possibilité d’élaborer du commun en dépit des fragmentations de tous ordres.
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