Introduction
L'histoire du mobilier est intimement liée aux avancées technologiques et aux mouvements artistiques. Le berceau, meuble emblématique de l'enfance, n'échappe pas à cette règle. Cet article explore l'évolution du berceau en bois sculpté et contreplaqué, en retraçant son histoire à travers différents styles et époques, et en mettant en lumière les techniques de fabrication qui ont marqué son développement.
L'Ère Victorienne et le Mouvement Arts and Crafts
Le mouvement Arts and Crafts, né en Angleterre vers 1860 et ayant connu son apogée de 1880 à 1910, a marqué un tournant dans la conception du mobilier. Ce courant, précurseur du "modern style" anglo-saxon et contemporain de l'Art Nouveau sur le continent européen, prônait un retour à l'artisanat et à la simplicité des formes. Bien que moins répandu en Europe occidentale que l'Art Nouveau, le mouvement Arts and Crafts a connu un grand succès dans les pays anglo-saxons, notamment aux États-Unis.
Charles Rennie Mackintosh (1868-1928), figure emblématique de ce mouvement, fonda la "Glasgow School of Art", un haut lieu de la création Arts and Crafts, malheureusement détruite par un incendie en 2014. Les créations de cette époque se caractérisent par des assemblages basiques en symétrie, combinés à une grande liberté d'expression.
L'Art Nouveau : Un Rayonnement Mondial
L'Art Nouveau, en parallèle du mouvement Arts and Crafts, a connu un rayonnement mondial. Les fabrications mobilières de cette époque privilégient les assemblages traditionnels et ancestraux. Pour effectuer des recherches approfondies sur ce style, il est conseillé de combiner les termes français "Art Nouveau" avec des mots-clés anglais, car ce mouvement est étudié dans le monde entier.
En parallèle de l'Art Nouveau, d'autres courants sécessionnistes ont émergé, tels que la Sécession hongroise (Ödön Lechner), la Sécession de Berlin (Max Liebermann, Paul Cassirer) et la Sécession de Munich, qui se sont mutuellement influencés.
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Jacob Kohn, figure marquante de cette époque, fonda son entreprise de bois de construction en 1849, avant de s'associer avec son fils Josef Kohn et de se spécialiser dans le mobilier. Profitant de l'expiration du brevet de la technique du bois courbé des Frères Thonet, ils créèrent leur propre ligne de mobilier, avec des succursales dans les capitales européennes.
De Stijl et le Bauhaus : Vers une Esthétique Fonctionnelle
Les partisans du mouvement De Stijl, reconnaissables à leur esthétique épurée, aspiraient à exprimer un idéal utopique d'harmonie et d'ordre spirituel. Ils prônaient l'abstraction pure et l'universalité, en réduisant les formes et les couleurs à l'essentiel : lignes verticales et horizontales, couleurs primaires (Mondrian), noir et blanc.
Le Bauhaus, école d'art allemande fondée par Walter Gropius en 1919, a également joué un rôle majeur dans l'évolution du design. Le Bauhaus a jeté les bases de la réflexion moderne sur l'architecture, le design, la photographie, le costume et la danse, et a donné naissance au style international.
Walter Gropius publia le manifeste et le programme du Bauhaus, affirmant que "le but de toute activité plastique est la construction ! […] Architectes, sculpteurs, peintres ; nous devons tous revenir au travail artisanal, parce qu’il n'y a pas d'“art professionnel”. Il n’existe aucune différence essentielle entre l’artiste et l’artisan."
L'enseignement au Bauhaus était basé sur un double tutorat ("maître de la forme" et "maître artisan") afin de favoriser le rapprochement entre l'enseignement artistique formel et la pratique. Les ateliers du Bauhaus (tissage, poterie, métal, menuiserie, peinture murale, sculpture sur pierre et sur bois, imprimerie, reliure) offraient aux étudiants un éventail pluridisciplinaire de savoir-faire et de connaissances.
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L'atelier de menuiserie du Bauhaus s'est orienté vers des créations mobilières axées sur la production en masse industrielle, privilégiant un style moderne, pratique, facile à mettre en œuvre et peu onéreux. Ce mouvement a été la genèse des pensées modernes en matière d'architecture et d'arts appliqués économiquement viables. Les méthodes de réflexion inventées ou modernisées par le Bauhaus sont encore appliquées dans les écoles actuelles. Le "design" moderne proprement dit est né de cette effervescence créatrice.
L'Art Déco : Ordre, Couleur et Géométrie
L'essor de l'Art Déco a commencé un peu avant la Première Guerre mondiale, avec un désir de revenir à plus de classicisme par rapport à la débauche de volutes molles et anarchiques de l'Art Nouveau. Les mots clés de l'Art Déco sont : ordre, couleur et géométrie. Les créateurs de l'époque ont instauré une rigueur puisée dans les styles classiques revisités, géométrisés, symétriques, et influencés par les courants cubistes, constructivistes et modernistes. Les ouvrages architecturaux et d'art appliqué ont pris des formes différentes suivant la géographie mondiale, mais toujours dans une morphologie régulée des constructions, des fabrications et des décors (début du style dit "international").
L'Art Déco est en quelque sorte une évolution de l'Art Nouveau, avec une géométrisation progressive des créations. Le style "paquebot" (Streamline Moderne), courant tardif de l'Art Déco (1933-1937), en est une illustration.
La Reconstruction : Fonctionnalité et Accessibilité
La période de la Reconstruction (1945-1955), après la Seconde Guerre mondiale, a été marquée par la nécessité de reconstruire les pays dévastés. L'industrie et l'économie, orientées vers les productions de guerre, ont dû se relever et accroître leur développement pour rattraper leur retard face aux États-Unis.
Le ministère de la Reconstruction a organisé trois expositions consacrées au relogement des sinistrés : "Première Exposition de la Reconstruction" (1945), "Exposition des techniques américaines" (1946) et "Exposition internationale de l’urbanisme et de l’habitation" (1947). Le Salon des arts ménagers a concentré les innovations sur la question de l'habitation, de l'architecture aux équipements. Le département mobilier, sous la conduite de Jean Fressinet et de René Gabriel, a cherché à promouvoir du mobilier de série à la fois "moderne" et financièrement accessible. Ils ont repris les travaux de Francis Jourdain (1876-1958), pionnier du Mouvement moderne fonctionnaliste, qui fondit les arts décoratifs modernes et théorisa leur application au cadre de vie populaire en diffusant, dès 1913, un mobilier utile, épuré, sans ornement, conçu pour être produit en série à bas prix.
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Les quincailleries étaient minimales, les portes et abattants articulés par des charnières simples, à piano ou pivots. On privilégiait les portes coulissantes, simplement en rainures et à vif. Les tiroirs étaient sur coulisses en bois. Les poignées étaient en métal (fers ronds pliés et filetés en bout) ou en bois longs et arrondis (portes coulissantes).
Le buffet Mado a connu un grand succès au sortir de la guerre, grâce à sa disponibilité et à sa modernité. Sa conception simpliste a inspiré les menuisiers et ébénistes de l'époque, qui l'ont décliné en armoires, commodes, placards de façades, chambres, etc.
Le Design Scandinave : Simplicité et Fonctionnalité
Le design scandinave, caractérisé par la simplicité, le minimalisme et la fonctionnalité, a influencé les courants des Trente Glorieuses et les précurseurs modernistes dans le monde du design. Les nouveaux créateurs américains d'avant-garde, comme Charles et Ray Eames, ont été formés par Eliel Saarinen, architecte finlandais, qui leur a inculqué les principes humanistes du design scandinave.
Les bâtis du design scandinave présentent des influences diverses. Les décors sont donnés par la matière et l'harmonie de l'objet lui-même, ses formes qui le dénotent immédiatement. Les quincailleries apparentes sont minimales, voire inexistantes, les éléments de préhension sont en bois, généralement dans la masse en positif ou négatif. Les éléments d'articulations métalliques sont dissimulés au maximum. Les systèmes coulissants sont très utilisés.
Le Vintage et l'American Way of Life
Le terme "vintage", apparu dans les années 80, désigne des meubles ou objets anciens, datant de l'époque où ils ont été créés. L'"American way of life", synonyme d'opulence et d'existence confortable, a envahi l'espace. Le rêve américain s'affiche partout : milk bars, diners aux couleurs ludiques, cinémas, stations services, voitures, cuisines équipées, salons, bureaux, etc.
Que ce soit de la grande distribution (parfois très "kitsch") ou des niches plus marquées par des grands designers de l'époque, les critères sont des ossatures en bois et dérivés, associés aux plastiques PVC, skaï, lamellé collé, tubes en acier, verre multicolore, quincaillerie multi-matières, Formica, etc.
Le mobilier plus populaire de série conserve des lignes directrices de base, comme le "pied compas", présent sur tout mobilier, permettant de garnir son intérieur personnalisé uniformément avec des éléments venant de distributions différentes. Les artisans du bois de ces années après-guerre ont pu se lâcher loin des carcans des mouvements stylistiques anciens. Leurs travaux d'atelier, mêlant des nouveaux matériaux, ont fait émerger des artistes qui s'ignoraient. Il était alors aisé de trouver des parties manufacturées de série applicables aux ouvrages (assise en skaï ou PVC, fil scoubidou, éléments usinés, laqués, quincaillerie abordables, verres moulés, granités ou imprimés, etc.).
En 1956, l'entreprise française Polyrey s'est lancée dans la fabrication de stratifié décoratif réalisé sous haute pression, inventant un modernisme accessible au plus grand nombre grâce à la variété des couleurs et des décors proposés, ainsi qu'à sa longévité et sa facilité d'entretien.
Le Post-Modernisme : Rejet du Fonctionnalisme et Retour aux Valeurs Oubliées
Les genres se mélangent et s'émancipent des carcans directeurs généraux et élitistes des décennies précédentes avec le rejet du fonctionnalisme comme bases créatives, donnant naissance au post-modernisme. Jusqu'au milieu des années 70, c'est l'effervescence créatrice, l'insouciance généralisée, la liberté voulue et vécue par les "baby boomers". Dès 1973, avec le premier choc pétrolier, l'avenir s'assombrit et entre en crise. On devine un retour au naturel par une prise de conscience et une remise en cause des dégâts généralisés et des effets pervers de la société industrielle et de consommation exubérante. Le modernisme est devenu conventionnel, formaté, commercial, et l'écologie va devenir un acteur majeur dans le futur (disparition en masse d'espèces, pollution outrageante, surconsommation de mauvais produits issus de l'agroalimentaire noyés dans les pesticides et autres produits chimiques). La postmodernité des pensées remet en avant les valeurs oubliées (historique, régionalisme, symboliques, cultuel…), c'est la fin du "plastic age" !
L'architecture, l'habitat et le mobilier n'échappent pas à ces mutations. L'idée du post-modernisme vient en réponse aux utopies galopantes des mouvements modernistes, induites dans le passé et développées par des maîtres de l'époque comme Walter Gropius (Bauhaus) ou Le Corbusier, qui axaient leurs travaux à la recherche d'une perfection idéale perçue, en harmonisant les formes et fonctions, en rejetant les ornementations inutiles !
Le "high-tech age" (haute technologie) se caractérise (particulièrement au début) plutôt par un style minimaliste angulaire et souvent assez foncé, voire complètement noir, mélange de haute technologie et de constructivisme. Les arts décoratifs donnent des lignes rectilignes et sobres, mais harmonieuses, avec un savant mélange de formes basiques (rond, triangle, arcs et éléments filiformes).
Le design déconstructiviste post-moderniste, mouvement des années 80 assez fugace, a ses origines plutôt aux États-Unis (pop art d'Andy Warhol et Roy Lichtenstein) et s'est développé surtout en Italie (Ettore Sottsass). La conception mobilier des designers post-modernes est caractérisée par des proportions complètement déstabilisantes, des angles improbables et une relation forme-objet décalée de sa fonction initiale, le tout affublé de couleurs chaudes et de motifs, fort souvent en plastique ou matières stratifiées unis ou imprimés.
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